Dieter Henrich

Fixpunkte

Aufsätze und Essays zur Theorie der Kunst

• Broschiertes Buch

Produktbeschreibung

Dieter Henrich hat sich seit den sechziger Jahren darum bemüht, zusammen mit einer Theorie der Subjektivität eine Theorie der Kunst auszuarbeiten. In diesem Band sind Texte zusammengeführt, die Stationen auf diesem Weg und zugleich Orientierungspunkte für die Kunsttheorie in ihrer Durchführung markieren.
Am Anfang steht eine Abhandlung über Subjektivität und Kunst, welche die Grundzüge der Theorie entfaltet. Es folgen vier einflußreiche, aber zum Teil noch unveröffentlichte Abhandlungen, die im Anschluß an eine Auslegung der Systematik von Hegels Ästhetik die Grundzüge einer Diagnose der Lage der Kunst in der Moderne ausbilden. Der Band enthält zudem eine Reihe von Essays, unter anderem über Richard Wagner, über Samuel Beckett, über Ernst Gombrich und über einige besondere Aspekte der Grundlagen und der Gehalte einer Theorie der Kunst.

Produktdetails

• suhrkamp taschenbuch wissenschaft 1610
• Verlag: Suhrkamp
• Artikelnr. des Verlages: STW 1610
• Seitenzahl: 301
• Deutsch
• Abmessung: 16mm x 108mm x 176mm
• Gewicht: 186g
• ISBN-13: 9783518292105
• ISBN-10: 3518292102
• Artikelnr.: 10854064

Autorenporträt

Geboren am 5. Januar 1927 in Marburg, studierte Dieter Henrich von 1946 bis 1950 in Marburg, Frankfurt und Heidelberg (u.a. bei Hans-Georg Gadamer) Philosophie. Seine Dissertationsschrift aus dem Jahr 1950 trägt den Titel Die Grundlagen der Wissenschaftslehre Max Webers. Nach der Habilitation 1955/56 lehrte Henrich in Berlin, Heidelberg und den USA, bevor er 1981 als Ordinarius für Philosophie an die Ludwig-Maximilians-Universität in München berufen wurde. Seit 1997 war er Honorarprofessor an der Berliner Humboldt-Universität. Dieter Henrich verstarb am 17. Dezember 2022 im Alter von 95 Jahren.

Rezensionen

Frankfurter Allgemeine Zeitung | Besprechung von 18.03.2003

Genuß allein gilt nicht
Dieter Henrich erinnert an eine Zeit, in der Nachdenken über Kunst erste Bürgerpflicht war / Von Jürgen Kaube

Wie liest man, was vom Tage übrigblieb, am nächsten oder auch Jahre danach? Es kommt auf den Tag an. Im Zentrum des vorliegenden Bandes steht ein Vortrag, "Kunst und Kunstphilosophie der Gegenwart", den Dieter Henrich bei einem Treffen der Gruppe "Poetik und Hermeneutik" gehalten hat. Das war im September 1964. Dieser Zeitenabstand von beinahe vierzig Jahren macht die Frage interessant, in welchem Sinne diese Gegenwart noch unsere ist, in welchem Sinne also der Titel jenes Vortrages auch ohne Anführungszeichen gelesen werden kann. Vermag der Nachdruck der Essays und Marginalien, von denen der Philosoph die meisten auf dem Weg zu seiner eigenen Ästhetik, "Versuch über Kunst und Leben" (siehe F.A.Z., 20. März 2001), verfaßte, über den theoretischen und empirischen Stand der Dinge in Sachen Kunst zu informieren? Oder dokumentiert er eine zurückliegende Epoche in Werkstattstücken eines ihrer bedeutenden Vertreter?

Als gegenwärtige Kunst der Moderne sprach Henrich damals Werke an, "die wegen ihrer Widerständigkeit gegen eingewöhnte Konnotationen als ungegenständlich bekannt geworden sind", um diese Bestimmung dann auch auf die literarische und musikalische Avantgarde auszudehnen. Liest man heute seine Notizen zum Werk Samuel Becketts, zu Formalismus und Realismus oder die in jenem Vortrag angestellten Überlegungen zur Abstraktion in der bildenden Kunst, dann fällt eine doppelte Präferenz ins Auge. Zum einen für die "klassische Moderne", zum anderen für eine philosophische, oft selber hochabstrakte, jedenfalls grundsätzliche und insofern ungegenständliche Deutung ihrer Kunst. Die einzelnen Kunstwerke sagen ihr nicht nur etwas über sich selber, erschließen nicht nur spezifische Formen und Stoffe, sondern teilen etwas über die Kunst als solche mit, und Kunst als solche sagt etwas über die Bedingungen, unter denen modernes Leben geführt wird.

Henrich gehört mit diesem Vertrauen in Schlüsselqualitäten moderner Kunst einer ganzen Generation an, für die in der hierzulande nachholenden Wahrnehmung der Avantgarden und in ihrer theoretischen Durchdringung ein ganz selbstverständliches Element ihrer intellektuellen Existenz lag. Es waren die Tage von Kranichstein und Donaueschingen, der ersten "documenten" und der literarischen Debatten über das hermetische Gedicht, das existentialistische Theater, den "nouveau roman". Bei Henrichs sind solche Wegmarken der kulturellen Normalisierung avantgardistischer oder experimenteller Kunst zwar nur indirekt verzeichnet. Aber nicht nur in den Fällen, in denen seine Stücke zuerst in Programmheften oder Ausstellungskatalogen abgedruckt worden sind, handelt es sich um Begleitreflexionen dieses Vorganges. Sein Befund, daß Kunst "Lebensbedeutung" besitzt, an den er die philosophische Erörterung anschließt, warum das so ist, hat in dieser Welt eines ganz fraglosen Sichgemeintfühlens von aktueller Kunstproduktion seinen historischen Kontext.

Existiert diese Welt noch? Und: Gibt die Kunst heute noch auf gleiche Weise zu denken, fordert sie noch in selbem Maße zu ihrer Theorie heraus, wie es damals Marxisten und Existentialisten, Frankfurter Lehrer und Pariser Strukturalisten, Hans Sedlmayr, Roland Barthes und Bazon Brock gleichermaßen selbstverständlich schien?

An Henrichs Aufsätze müssen diese Fragen nicht von außen herangetragen werden. Wie wenige Autoren jener Zeit hat er die Orientierungskraft von Kunst nicht nur erkundet, sondern auch die Zweifel an ihr erörtert. "Überlegungen mit Rücksicht auf Hegel" stand im Original unter dem Titel jenes Vortrages von 1964, und das hieß: Überlegungen mit Rücksicht auf die Tatsache, daß eine der bedeutendsten philosophischen Stellungnahmen zur Kunst ihr jene Lebensbedeutung für die Moderne gerade abgesprochen hatte. Hegels Diagnose von 1822 nämlich, so der längste abgedruckte Essay "Hegels Theoreme über das Ende der Kunst", leuchtet in allen ihren einzelnen Befunden auch für die Gegenwart ein. Der moderne Künstler arbeite im Bewußtsein, nicht zu exemplarischen Darstellungen genötigt zu sein. Die Tradition zwingt ihn nicht. Seine Werke stehen vereinzelt da, sind Produkte individueller Reflexion. Das legt nahe, sie als zwar glückliche, aber doch Zufälle zu deuten, die nichts Allgemeines besagen. Utopien lassen sich an sie nicht knüpfen, Gesamtkunstwerke bleiben Programm ohne Einlösung, eine Kunst, in der die moderne Welt anschaulich erschlossen würde, gibt es nicht. Denn, so Hegel in Henrichs Deutung, die Erschließung der modernen Welt bedarf des Denkens, ja des "spekulativen Erkennens" ergibt sich aus Anschauung. Was der Kunst bleibt, sind darum harmlose Aktivitäten, historistisches Spiel mit Vergangenheiten, Humor, die okkassionelle Hervorbringung von sinnlich Ansprechendem. "Vom Schönen wird gleichsam das Scheinen für sich fixiert."

Henrich erörtert diesen Befund, die Folgerungen, die Hegel aus ihm zog, sowie diejenigen, die sich aus einem Begriff wie "objektiver Humor", der der Kunst nach ihrem Ende noch bleibe, hätten ziehen lassen. Indem er selber der Kunst gar nicht die Aufgabe zuweist, Wahrheit anschaulich zu machen, kann sie an ihr bei ihm, anders als bei Hegel, daran auch nicht scheitern. Und doch zögert der Autor spürbar, die Rede vom Ende der Kunst ganz zurückzuweisen. Schon 1966 schloß er, die Kunst der Moderne sei vielfach bedroht. Wenn sich genüßliche Kennerschaft einer delikaten Welt des Spiels diesseits "harter" Wirklichkeit dauerhaft an die Stelle von Reflexion im Umgang mit Kunst setzte, behielte Hegel in der Tat recht. Anders gewendet: Henrichs äußerst anregungsreicher Essay über die Gründe dafür, warum es Sehen und Hören, aber nicht Geruch und Geschmack zur Kunstform gebracht haben, würde eine ironische Ergänzung erfahren, wenn sich der Umgang mit Sonetten und Sonaten nicht mehr prinzipell von dem mit raffinierten Speisen und Düften unterschiede. Man kann die hier vorgelegten Stücke als Versuch lesen, aus jenen Jahren, als die moderne Kunst noch nicht alt aussah, eine Einstellung zu überliefern: die Kunst nicht als subtiles Erregungsmittel, sondern als Auslöser von Gedanken wahrzunehmen.

Dieter Henrich: "Fixpunkte". Abhandlungen und Essays zur Theorie der Kunst. Suhrkamp Verlag, Frankfurt am Main 2003. 302 S., br., 12,- [Euro].

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Perlentaucher-Notiz zur F.A.Z.-Rezension

"Eine doppelte Vorliebe findet Rezensent Jürgen Kaube in den nun nachgedruckten "Abhandlungen und Essays zur Theorie der Kunst" des Philosophen Dieter Henrich: zum einen für die "klassische Moderne", zum anderen für eine "philosophische, oft selbst hochabstrakte Deutung ihrer Kunst". So sagen die einzelnen Kunstwerke bei Henrich laut Kaube nicht nur etwas über sich selber, ihre Form und ihren Stoff aus, sondern sie teilen etwas über die Kunst als solche mit und damit etwas über die Bedingungen, unter denen modernes Leben geführt werde. Mit diesem Vertrauen in die Schlüsselqualitäten der Kunst gehört Henrich einer Generation an, so Kaube, "für die in der hierzulande nachholenden Wahrnehmung der Avantgarden und ihrer theoretischen Durchdringung ein ganz selbstverständliches Element ihrer intellektuellen Existenz lag." Für Kaube stellt sich hier die Frage, ob Kunst heute noch in gleichem Maß zu denken gibt und in gleichem Maß zu ihrer Theorie herausfordert, wie es damals selbstverständlich schien. Fragen, die nach Kaube nicht von außen an Henrichs Aufsätze herangetragen werden müssen. Denn Henrich habe in seinen Aufsätzen nicht nur die "Orientierungskraft von Kunst" erkundet, sondern auch die Zweifel an ihr erörtert.

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